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留 住 中 国 画 的 原 生 态
——徐建明谈中国画

宜兴日报2015年5月22日“阳羡·讲坛”　　撰稿：许娟　摄影：翟霄帆

　　宜兴是悲鸿故里，著名的书画之乡。从古至今，从阳羡大地走出来的国画名家灿如群星；宜兴的国画创作者更是不计其数。宜兴人对中国书画有着刻骨铭心的热爱。懂得中国画，学习并传承国画艺术，必须理解其起源、发展、艺术特质和内涵，体悟中国画所传达的民族精神。最近，宜兴日报社文化系列讲座，特邀国家一级美术师徐建明开讲《中国画的特质和内涵》。他在讲座中，深入浅出地阐述了中国画的民族性，并且大声疾呼：愈是在信息飞速发展的当今社会，愈是要保留住中国画的原生态，要将原生态，视为中国画教学的立足之本。

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中国画的最基本概念：以线立形和书写性用笔

　　中国画，可以说是近代以来受西方文化影响最大的本土艺术种类之一。但是，它的传统基因始终没有改变。纵观中国画的发展历史，我们可以发现，中国画是多元文化融合的画种，但始终立足本体。在讲座中，徐建明先生始终强调中国画的本体性。

　　中国画的起源，可以追溯到石器时代的仰韶文化。那时候并没有画的概念。但是，一个民族的起源、文化的启蒙，为它的民族文化注入某种特定的“ 基因”。仰韶文化时期出土的陶器便有线条画出的纹样。到了青铜器时代，青铜器上的云纹、水纹、兽纹等，以线条的疏密、长短、曲折来表现物象和各种状态……这奠定了中国画的最基本的一种模式——以线立形，不像西方美术通过光影等手法来确立物象，而是选择用线条勾勒一个物体的外形。

　　中国画与书法的关系源远流长，有“书画同源”之说，仰韶、龙山文化遗址上出土的陶器上的符号，我们很难说它是绘画还是文字。后经发展，书法更趋向于符号，图画趋向于形象。此后，两者相互借鉴，相互影响，尤其是宋元文人画出现以后，绘画用笔讲究从书法中来，书写性是中国画最突出的特征。

　　以线立形和书写性用笔，确定了中国画的最基本概念。另外，中国画的载体，无论是丝帛、麻织品，还是崖石、纸张，都是原本空白的材料。孔子曾经说：“绘事后素。”就是说，要在空白的地方进行绘画。这些关于中国画的理念、载体、画法等，在此后数千年的中国画发展历程中，得到了延续和发展。

　　当然，中国画并不是一成不变的。历朝历代与西域、欧洲的交往中，带回了国外的文化艺术，对中国画产生了影响，最明显的便是来自印度的佛教文化。莫高窟、龙门石窟、云冈石窟这三大佛教艺术宝库里留存着大量的雕刻和绘画等。这些石窟大约始凿于公元3 世纪。据考证，开凿的工匠主要有3 种，一种是中原本土人，一种是罗马波斯人，另一种是印度人。中原本土的画，可以看马王堆出土的帛画，线条是画作的基本造型手段，着色主要是勾线后平涂。画面是平面的。印度的画，有点类似于我们的现在的工笔画，讲究画面视觉的凹凸。

　　印度佛教的传入，给中国画带来了发展的契机，这个发展时期大约在公元3 世纪到7 世纪。东晋顾恺之的《洛神赋》，就是中原本土绘画和印度佛教绘画结合之后，产生的中国样式的画，画中可以看到本土的线条和渲染，但与马王堆帛画平涂不同的是，渲染有了过渡。可见，中国画并不是把印度画法全盘吸收，只吸收印度画的精华，进行融合变化，发展到宋代，已经是完完全全的中国样式了，已经看不到印度画法的痕迹。

中国画是纯粹的艺术，是民族心态的体现

　　具有悠久历史的中国画，由于特定的历史环境、文化底蕴和民族心理等因素，造就了它独特、鲜明的艺术特色和审美体系。尽管在其诞生初期，实用性与审美性融合在一起，但是中国画的发展史是一部从实用功能向审美功能逐渐演变的历史。中国画逐渐处于距物欲最远的、以审美为核心特征的超功利层面。

　　中国画历来有“四品”之说，也就是把中国画分为四个等级，即：能品、妙品、神品、逸品。

　　能品，指生动形象，对客观事物的形象把握准确；妙品，指笔墨精妙，技术娴熟；神品，指刻画事物的精神本质达到至高境界；而逸品，则是中国画的最高境界。

　　吴冠中先生认为：“逸品中的‘逸’放逸也。其含义当指富贵不能淫，威武不能屈，不迁就世俗，一味强调个性，强调自我情感的抒发。”“逸品，必须摆脱一切客观利害的约束才能产生，这正吻合了艺术诞生的科学规律。”可见，中国画追求的目标，是没有任何功利的，纯粹的精神寄托。

　　画家只有时时刻刻以追求美、发现美、挖掘美、表现美为创作宗旨，作品的艺术水平才能有所提高。中国画的内容，也都是美的、积极乐观的内容。即使这个画家再潦倒，再落魄，他依然画积极的东西。或许是因为画家知道，现实已经如此，画一些消极的内容，并不能改变其生活，他宁可在画中构造一个“乌托邦”。

　　徐建明认为，如果一幅画，宣传说教意味浓厚，带给人们负面心理，那它就不是真正的中国画，而应该是宣传画。中国画可能会有宣传的功能，比如宗教画，但是宣传的意味很少，真正的功能还是审美。

　　当然，画也有实用价值，客观上可以慰藉心灵，可以成教化、助人伦。董其昌《容台集· 诗集》卷四《仿李营丘寒山图· 序》云：“ 余结念泉石，薄于宦情，则得画道之助。陶隐居云：‘若不为无益之事，何以悦有涯之生！’”中国文人，历来在追求笔墨情趣中获得超脱。最典型的就是倪云林的“逸笔草草，不求形似，聊以抒写胸中逸气。”宋末元初、明末清初，北方少数民族的长驱直入，汉族营垒的土崩瓦解，使得一批“遗民画家”寄情笔墨，沉沦于不可自拔的亡国之痛。个人的，家族的命运，一下使这些人落入了绝望的深渊。但他们拿起画笔，依然能找到一丝慰藉。

　　李唐为代表的南宋画家笔下的“半壁江山”，八大山人的沉着淋漓，石涛的放纵，石溪的苍浑等，借助笔墨化作人生情性，自然而然地流出……而画的教化功能，有这么一个传说：曾是北宋画院的著名画家李唐，听闻赵构登上帝位，意欲在南方建立朝廷。李唐长途跋涉，南渡寻投宋高宗赵构。这一天，李唐走到太行山，突然从山上冲下一伙强盗。李唐惊恐万状，死死抱住行囊，强盗们一把夺过行囊，但仔细翻检后，却发现除了颜料画笔，行囊中什么都没有。为首的强盗便奇怪地问他到底是谁，当听说他是李唐后，纳头便拜，原来这个强盗名叫萧照，喜欢画画，李唐正是他极为仰慕的大画家。于是萧照便辞别山寨，拜李唐为师，跟随李唐南渡。

中国画教学应该姓“中”，不姓“西”

　　近现代以来，随着西方艺术理念介入，中国画遇到了前所未有的冲击。热衷西画的人用西画的观念、西画的要求来评判中国画、改造中国画。近现代，西方国力强大而中国国力弱小，受此影响，国人仰视西方的文化而对自己的文化中的精华与糟粕缺少理性分析。心理上的失衡导致民族文化自信心下降，中国画也受影响，处于颓势之中。有的画家已经没有中国画方面的知识支撑和学术支撑了，取而代之的是西式教学方式培养出来的“转基因”式的中国画。

　　到了当代，信息社会飞速而变的现状，也让中国画面临“现代化”的困扰。信息资源丰富，学画者可以见多识广，但是大量的信息却也分散了学画者精力，让学习变得碎片化。钱松嵒曾临摹石溪的画作，整整临摹了几十幅。而现在很多学生上午临八大，下午临石溪，晚上临顾恺之，最后什么精髓都没有抓到，而且连最基本的皴法都没学会。

　　徐建明认为，原生态的中国画教学应该是立足之本。

　　对此，徐建明作了详细的阐述。比如，中国画的造型基础不能只用西方的素描来简单应对。自古以来，中国画有自己的一套完整造型方式，它与西方绘画艺术的表现方式有很大的不同。中国画的“意在笔先”又明确强调了“意”的重要。有“意”才有“象”，“意”是主观的取向，“意”是对客观事物的总体认识，只有在通画理、画法的基础之上才可能有画意。目前，中国画教学，进校后素描为底，色彩静物为辅，中国式的线描占的比例很少，而且线描的意识也有西画“点、线、面”式的倾向，学生知道“骨法用笔”“十八描”的甚少，没有了基础，如何砌大楼？中国画的教学立足点应从基础开始，让“意象”造型训练来作为基础造型训练。让西方的素描作为选择性辅助教学。

　　另外，加强书法学习是中国画教学中极重要的一环，中国画意趣与书法意趣基本相同，其中用笔方法也基本相同。对于笔的认识，已经上升到形而上的境界，如笔意、笔趣、笔情，笔的运用也有各种笔法。方法与情绪、方法与理念浑然一体，和画面的图式、结构的有机结合，传达作者的审美取向和人格修养。再加上中国特有工具、材料的运用，构成东方绘画的艺术美。中国画的特点是离不开用笔的。而我们目前的教学中，书法教学正是中国画学生基础要求的软肋，使得国画的线质结构失去书法意味，因此也减弱了国画独特性的感染力。

　　徐建明认为，中国画教学中最重要的一点就是不能失去中国画的民族性，应该强化民族的特点，使之成为中国视觉艺术发展中的一个重要内容。

　　在信息社会发展飞速的当代，要保留住中国画的原生态，梳理其中的流派演变，发生、发展的方向与文化基因的关联。

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讲坛·摘要  

　　□近代以来，中国画受西方文化影响很大，但是其“基因”未变。

　　□中国画是民族心态的体现，而且是健康心态的体现。

　　□五代后梁画家荆浩提出中国画“ 六要”：气、韵、思、景、笔、墨。其中，气、韵是目的，笔、墨是手段，景是客体，思最重要，因为“思”解决了方向问题。中国画是主客体统一的产物，但是中国画永远是主体驾驭客体。

　　□画如有形文章，为人、状物、寄情、表意，一抒心灵感悟，笔墨之道，趣在其中。

　　□敦煌壁画为什么能够成为世界艺术瑰宝，就是因为画者带着一颗虔诚的心在画，一点不带功利心。

　　□现在很多画家，对于中国画抱着“ 宁可不学、防止外道”的态度，顶多研究到线描，就不再研究下去。这就像是为了不参加奥运会，而改去参加残奥会，自己把自己打成残疾。

　　□画家无法选择所处的时代，但无论是哪个朝代的一分子，都首先应立足本民族的根本，吸收营养。

　　□如今，很多西式“ 激素”注入中国方方面面，画画亦然。不少标榜“ 中国画”的作品，是“转基因画”。

　　□“古其笔墨，新其形制”是我提出的现时中国画发展的方向，这是一个历久弥新的学术命题，也是传统中国画发展的必由之路。

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讲坛·链接  

艺术大家论画

　　徐悲鸿、钱松嵒、吴大羽、吴冠中……这些宜兴籍书画大家，他们都有着极为深厚的艺术理论修养，其精辟独到的艺术见解，对于当下的中国美术教育有着深刻的影响力。在此我们摘选部分内容，与读
者分享。

　　如水之就下，自成文章
　　徐悲鸿：中国画之妙处，有如水之就下，自成文章，奔流穿涧，漩转萦回。或一泻百尺如飞瀑，或涓涓滴滴若吐珠。要以引用自然，随势顺逆为其极则，以自然入乎规矩者也。西洋画如打台球，三球相距或远或近，顺着易合，逆着每违。而必深解其理，迫之相撞，旁敲侧击，缓急疾徐，率直迂回，求其必中。其奇妙时，神出鬼没，变化无穷，而值合乎数理。此以规矩入乎自然者也。顺势已成至美，乃中国之写意画。设境求其实现，乃油绘之能事。

　　中国画要有中国气派、民族风格
　　钱松嵒：中国画要有中国气派、民族风格。中国气派是什么气派？是伟大的气派。作品中要有伟大的气派，首先作者自己要具有伟大胸襟、伟大抱负、伟大思想。每一种艺术形式的构成必须具有这一种艺术的基本功。国画的基本功是笔墨，笔墨的特定条件是民族绘画的传统。画山能像山，这是好的一面，但远远不够。把目光真搬到纸上则成为画，要像一幅画，画中，山既像山，又不像山，这才是真正像画，而且要令人看出是从你头脑里手指上所画出来的山水画，“画中有我”，当时我这个儿童，听得此言，似懂非懂。后来父亲一有机会，把作品既要像山又要像画的道理，如：立意、应物、勾境、笔墨、气韵等条件具体阐明，还把有关文学、书法等修养的必要性细讲。

　　美的出现在形象和心象之间
　　吴大羽：色与形的解放（西）。心与神的归宿（东）。作画作者品质第一，情绪既萌，法逐意生，意须经磨砺中发旺，故作格之完成亦即手法之圆熟。画需要的是领悟，不是画笔上的技巧，不要去画物的外形，需要的是超脱。对形体的恭顺，无益于掌握形象。美的出现在形象和心象之间。

　　中国山水画将意境提到了头等的高度
　　吴冠中：一般看来，西方风景画中大多是写景，竭力描写美丽景色的外貌，但大凡杰出的作品仍是依凭于感情移人。梵高的风景是人化了的，仿佛是他的自画像……中国山水画将意境提到了头等的高度。意境蕴藏在特景中。到物景中摄取意境，必须经过一番去芜存菁以及组织、结构的处理，否则这意境是感染不了观众的。脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零。

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听众兴致盎然

讲座引人入胜